Le immagini più strane

Arts, se non per prendere in calcolo dei realisti, è sempre stata, è e sarà strano. Metaforico, alla ricerca di nuove forme e mezzi espressivi. Ma una strana immagine di un paese diverso.

Qui di seguito sono due dozzine delle immagini più bizzarre. Abbiamo volutamente non ha incluso in questa raccolta di Salvador Dalí, le cui opere sono del tutto cadere sotto il formato del materiale, e il primo a venire in mente.

Munch "Cry"

1893 olio su cartone, tempera, pastello. 91h73, 5 cm

National Gallery, Oslo

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"L'urlo" è considerato un espressionismo evento punto di riferimento e uno dei dipinti più famosi del mondo.

"Stavo camminando lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo si tinse di rosso sangue mi fermai, sentendo la stanchezza, e si appoggiò al recinto - ho guardato il sangue e lingue di fuoco sopra il fiordo blu-nero e la città - i miei amici a camminare, e Rimasi lì, tremando per l'emozione, sensazione di infinito grido lacerante natura ", ha detto Edvard Munch sulla storia della pittura.

Ci sono due interpretazioni di un'immagine: è l'eroe inghiottito in orrore e piange in silenzio, premendo le sue mani alle orecchie; o l'eroe copre le orecchie da suonare in giro urlando la pace e la natura. Munch dipinto quattro versioni di "L'urlo" e una versione di che questa immagine - il frutto di una psicosi maniaco-depressiva, che colpisce l'artista. Dopo il trattamento in clinica Munch non ha fatto ritorno a lavorare sul web.

Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?"

1897-1898, olio su tela. 139 1h374 6 centimetri

Museum of Fine Arts di Boston

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una profonda filosofica immagine postimpressionista Paul Gauguin è stato scritto da loro di Tahiti, dove si era rifugiato da Parigi. Al termine dei lavori, ha anche voleva suicidarsi, perché "credo che questa tela supera non solo tutti i miei precedenti, e mai lo creare qualcosa di migliore o simile." Alla direzione della pittura di Gauguin dovrebbe essere letto da destra a sinistra - i tre principali gruppi di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana di maturità; nel gruppo finale della concezione dell'artista, "una vecchia donna si avvicina la morte appare riconciliato e dedica le sue riflessioni", ai suoi piedi, "uno strano uccello bianco ... rappresenta l'inutilità delle parole."

Pablo Picasso "Guernica"

1937, olio su tela. 349h776 cm

Museo Reina Sofia, Madrid

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L'enorme tela-murale "Guernica", scritto da Picasso nel 1937, dice il raid volontariato unità della Luftwaffe sulla città di Guernica, che ha portato a seimila città fu completamente distrutta. Il quadro è stato scritto solo un mese - i primi giorni di lavoro su un dipinto di Picasso hanno lavorato per 10-12 ore, e già nel primo schema potrebbe essere visto l'idea principale. Questo è uno dei migliori esempi di l'incubo del fascismo, così come la crudeltà umana e il dolore.

"Guernica" è la scena della morte, la violenza, la brutalità, la sofferenza e l'impotenza, senza specificare i loro immediati cause, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940, Pablo Picasso è stato convocato alla Gestapo a Parigi. E subito si voltò verso il quadro. "Hai fatto?" - "No, l'avete fatto."

Jan van Eyck "Ritratto dei coniugi Arnolfini"

1434, olio su tavola. 81.8h59.7 cm

London National Gallery, Londra

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presunto ritratto di Giovanni Nicolao Arnolfini e sua moglie è una delle opere più difficili della scuola di pittura occidentale del Rinascimento del Nord.

pittura famosa del tutto pieno di simboli, allegorie e vari riferimenti - fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che non ha fatto solo un'opera d'arte, e documento storico che conferma gli eventi reali hanno avuto luogo, a cui hanno partecipato l'artista. In Russia, negli ultimi anni il quadro è guadagnato una grande popolarità a causa della somiglianza ritratto Arnolfini con Putin.

Mikhail Vrubel "Seduti Demon"

1890, olio su tela. 114h211 cm

Tretyakov Gallery, Moscow

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Immagine Vrubel maniera sorprendente daemon. Triste ragazzo dai capelli lunghi non piace l'idea di umano universale dovrebbe essere simile a uno spirito maligno. L'artista ha parlato del suo quadro più famoso:

"Demon - lo spirito non è tanto male come sofferenza e triste, allo stesso spirito imperioso, dignitosa." Questa è l'immagine di forza dello spirito umano, lotta interiore, non c'è dubbio. Tragicamente le mani intrecciate, demone seduto con triste, rivolto verso gli enormi occhi a distanza, circondata da fiori. La composizione sottolinea demone figura stesnonnost, come se inserita tra le travi superiori e inferiori del telaio.

Vasily Vereshchagin "L'apoteosi della guerra"

1871 olio su tela. 127h197 cm

State Tretyakov Gallery, Mosca

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Vereshchagin - uno dei principali pittrice battaglia russo, ma ha disegnato la guerra e la battaglia non perché li amava. Al contrario, stava cercando di dare alle persone il loro atteggiamento negativo alla guerra. Una volta nel calore delle emozioni Vereshchagin ha detto: "La maggior parte dei dipinti di battaglia non scriverà - basta Sono troppo vicino al mio cuore accettare ciò che scrivo, vyplakivayu (letteralmente) Mount ogni feriti e morti!". Probabilmente il risultato di questa esclamazione era un quadro terribile e affascinante del "Apoteosi della guerra", che raffigura il campo, i corvi e la montagna di teschi umani.

Il dipinto era così profondamente ed emotivamente, che ogni cranio giace nel mucchio, si inizia a vedere le persone, il loro destino e il destino di coloro che hanno queste persone non vedono mai. sé stesso Vereshchagin con una triste sarcasmo chiamato il dipinto "Still Life" - mostra una "natura morta". Tutti i dettagli dell'immagine, compreso il colore giallo, che simboleggia la morte e distruzione. Cielo blu chiaro sottolinea immagine mortvennost. L'idea di "L'apoteosi della guerra" è espressa come le cicatrici da spade e fori di proiettile nel cranio.

Grant Wood "American Gothic"

1930 olio. 74h62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

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"American Gothic" - una delle immagini più riconoscibili dell'arte americana del XX secolo, famoso XX arte meme e secoli XXI.

Dipingere con il padre e la figlia scuro è piena di dettagli che indicano la gravità del puritanesimo e misoneismo immagini di persone. persona forcone Angry proprio nel centro della foto, un vecchio stile, anche per gli standard del 1930 i vestiti, esposti gomiti sui vestiti del contadino, ripetendo la forma della forcella e, di conseguenza, una minaccia che si rivolge a tutti coloro che invadere. Tutti questi dettagli possono essere visualizzate e senza fine rabbrividire da neuyuta.

E 'interessante il fatto che i giudici del concorso presso l'Istituto d'Arte di Chicago abbracciato il "gotico" come "un San Valentino divertente", e la gente di Iowa terribilmente offeso da legno perché li raffigurato in una luce sgradevole.

Raney Magritt "Lovers"

1928 olio su tela

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Pittura "Lovers" ( "amanti") esiste in due versioni. Un uomo e una donna la cui testa è infagottato in un panno bianco, bacio, e un altro - "look" lo spettatore. Il quadro è sorprendente e affascinante. Due figure senza volto Magritte trasmette l'idea di amore e di cecità. A proposito di cecità in tutti i sensi: in amore non si può vedere, non può vedere le loro persone reali e che, per di più, in amore - un mistero, anche gli uni agli altri. Ma questa apparente chiarezza, continuerà ancora a guardare gli amanti magrittovskih e pensare a loro.

Quasi tutti i dipinti di Magritte - questo puzzle, che sono completamente impossibili da risolvere, perché sollevano interrogativi circa l'essenza stessa dell'essere. Magritte parla sempre delle apparenze ingannevoli, il mistero nascosto, che di solito non si accorgono.

Chagall "Walk"

1917 olio su tela

Lo Stato Tretyakov Gallery

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In generale, estremamente grave nella sua pittura Marc Chagall ha scritto una deliziosa manifesto della sua felicità, pieno di allegorie e di amore. "Walk" - un autoritratto con la moglie Bella. Il suo preferito vola nel cielo e portare fuori quello sguardo in volo e Chagall, in piedi sul terreno instabile, come se toccando solo le scarpe dita dei piedi. Nell'altra mano Chagall tit - lui è felice, ma ha anche uccello in mano (probabilmente la sua pittura), e due nel cespuglio.

Hieronymus Bosch "Il giardino delle delizie"

1500-1510, olio su legno. 389h220 cm

Prado, Spagna

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"Il Giardino delle Delizie" - il più famoso trittico di Hieronymus Bosch, ha preso il nome al centro, dedicato al peccato di lussuria. Ad oggi, nessuna delle interpretazioni disponibili della pittura non è considerata l'unica vera.

Enduring fascino e allo stesso tempo, la stranezza del trittico è come l'artista esprime l'idea principale attraverso un sacco di dettagli. L'immagine è piena di figure trasparenti, fantastiche strutture mostri che hanno trovato la carne di allucinazioni, caricature infernali della realtà, a cui egli sembra indagatore, molto tagliente sguardo. Alcuni studiosi hanno voluto vedere nella foto Trittico della vita umana attraverso il prisma della sua vanità e immagini di amore terreno, gli altri - una celebrazione della sensualità. Tuttavia, la semplicità e un certo distacco, che trattava le singole figure, così come un atteggiamento favorevole a questo lavoro da parte delle autorità ecclesiastiche in dubbio che il suo contenuto potrebbe essere la glorificazione di piaceri del corpo.

Gustav Klimt "Le tre età della donna"

1905, olio su tela. 180x180 cm Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma

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"Le tre età della donna" è gioiosa e triste. In esso tre figure storia della vita di una donna scritto: spensierato, rilassato e disperazione. Giovane donna organicamente intrecciate nel modello di vita, il vecchio - si distingue da esso. Il contrasto tra l'immagine stilizzata di una donna giovane e una vecchia naturalistica modo acquista un significato simbolico: la prima fase della vita porta con sé infinite possibilità e la metamorfosi, l'ultima - la coerenza immutabile e il conflitto con la realtà.

Il panno non si lascia andare, diventa nell'anima e ci fa pensare la profondità del messaggio dell'artista, così come la profondità e l'inevitabilità della vita.

Egon Schiele "Famiglia"

1918, olio su tela. 152.5h162.5 cm

Galleria "Belvedere", Vienna

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Schiele era discepolo di Klimt, ma come ogni bravo studente, egli non ha copiato il suo maestro, e stava cercando una nuova. Schiele molto più tragica, strano e spaventoso di Gustav Klimt. Nelle sue opere, molto di quello che si potrebbe chiamare la pornografia, varie perversioni, naturalismo e alla stessa disperazione fastidioso.

"Famiglia" - il suo ultimo lavoro, che ha portato alla disperazione assoluta, nonostante il fatto che questo - la meno strana guardando la sua immagine. Egli dipinse prima della sua morte, dopo che il pilota spagnolo dalla morte della moglie incinta Edith. E 'morto 28 anni dopo, solo tre giorni dopo Edith, dovendo disegnare, se stessi e il loro bambino non ancora nato, come pure.

Freed Calo "Two Frieda"

1939

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La storia della dura vita della pittrice messicana Frida Kahlo è diventato noto dopo il film "Frida" con Salma Hayek nel ruolo del titolo. Kahlo ha scritto per lo più autoritratti e il motivo è semplice: "Scrivo a me stesso, perché ho passato un sacco di tempo da sola e perché sono il soggetto che conosco meglio." Non un singolo autoritratto di Frida Kahlo sorride: serio, volto, anche dolorosa, sopracciglia folte cresciuti insieme, viticci deboli di denti stretti. L'idea dei suoi dipinti sono criptate in dettagli, di sfondo, figure che appaiono accanto a Frieda. simbolismo di Kahlo si basa su tradizioni nazionali ed è strettamente legata alla mitologia indiana del periodo pre-ispanica.

In uno dei migliori quadri - "Due Frida" - ha espresso maschile e femminile, si è unito nel suo sistema circolatorio singolo, dimostrando la sua integrità.

"Waterloo Bridge. Effetto Nebbia" di Claude Monet

1899 olio su tela

Lo State Hermitage Museum, San Pietroburgo

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Nel rivedere le immagini a distanza ravvicinata lo spettatore non vede altro che quadri che portano i frequenti spesse macchie oleose. Le opere di magia si rivela quando si comincia a spostare gradualmente lontano dal Web per una distanza maggiore. In primo luogo, prima di cominciare a manifestare strani semicerchio che passa attraverso il centro della foto, allora, vediamo un chiaro schema delle barche e siamo andati via a una distanza di circa due metri di fronte a noi nettamente disegnati e disposti in una catena logica che collega tutto il lavoro.

Jackson Pollock "No. 5, 1948"

1948 fibra, olio. 240h120 cm

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La stranezza di questo è che il tessuto del leader americano dell'espressionismo astratto, che dipinse, rovesciando vernice sulla decomposizione sul pavimento un pezzo di fibra - il dipinto più costoso del mondo. Nel 2006, Sotheby pagato per esso $ 140 milioni. David Giffen, regista e collezionista, ha venduto a finanziere messicano David Martinez.

"Continuo ad allontanarsi dai soliti strumenti dell'artista, come il cavalletto, tavolozza e pennello. Preferisco bastoni, pale, coltelli e versando vernice o miscela vernice con sabbia, vetri rotti o qualcos'altro. Quando ero dentro il quadro, non mi rendevo conto quello che sto facendo. la comprensione viene dopo. non ho paura del cambiamento o la distruzione dell'immagine, perché l'immagine che vive di vita propria. sto solo aiutandola a uscire. Ma se perdo il contatto con la pittura, si scopre la sporcizia e la mensa. in caso contrario, è pura armonia, la facilità di come si è utilizzato Resh e ti danno. "

Joan Miró "l'uomo e la donna di fronte a un mucchio di escrementi"

1935, il rame, l'olio, 23h32 cm

Joan Miró Foundation, Spagna

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Un buon nome. E chi avrebbe mai pensato che questa immagine ci racconta gli orrori della guerra civile.

Il film è stato realizzato su un foglio di rame per la settimana tra il 15 e 22 ottobre 1935. Secondo Miro, è il risultato di tentativi di ritrarre la tragedia della guerra civile spagnola. Miro ha detto che era una foto di un periodo di ansia. Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si estende ad uno nelle braccia dell'altro, ma non si muove. Aumento organi sessuali e colori inquietanti sono stati descritti come "piena di disgusto e ripugnanza della sessualità."

​​Jacek Yerka "erosione"

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Il neosyurrealist polacca conosciuta in tutto il mondo per i suoi dipinti sorprendenti che combinano la realtà, creandone di nuovi. E 'difficile considerarlo molto dettagliato e lavorare un po' commovente su uno, ma è la dimensione del nostro materiale, e abbiamo dovuto scegliere uno - per illustrare la sua fantasia e abilità. Vi invitiamo a leggere in dettaglio.

Stoneham Bill "Le mani di lui si oppongono"

1972

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Questo lavoro, ovviamente, non può essere annoverato tra i capolavori dell'arte mondiale, ma che è strano - si tratta di un dato di fatto.

Intorno alla foto con la bambola ragazzo e palme premuto contro il vetro, è leggendaria. Da "perché questo die" a "bambini che vivono in essa." Il quadro sembra davvero spaventoso, che danno le persone con mentalità debole un sacco di paure e fantasie.

L'artista ha anche insistito sul fatto che il dipinto si raffigura all'età di cinque anni, che la porta - vista la linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola - una guida che sarà in grado di tenere il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano l'alternativa di vita o di capacità. L'immagine ha guadagnato la protuberanza nel febbraio 2000, quando è stato messo in vendita su eBay con una storia, che racconta che il dipinto - "Haunted". "Le mani di lui si oppongono", acquistato per 1025 dollari, Kim Smith, che poi è stato appena invasa da lettere di storie e requisiti per bruciare l'immagine dell'orrore.